LAS HILANDERAS ( 1655 - 1660 )
Autor de la obra: Diego Rodríguez de Silva y Velázquez
https://www.museodelprado.es/coleccion/artista/velazquez-diego-rodriguez-de-silva-y/434337e9-77e4-4597-a962-ef47304d930d
Nacionalidad del artista: Español
Tipo de obra: Oleo sobre lienzo
Dimensiones: 167 x 252 cm (con los añadidos del siglo XVIII: 220 x 289 cm)
Dónde puedo observar esta obra? Museo Nacional del Prado, Madrid, España
Quién es Diego Velázquez?
Velázquez es universalmente reconocido como uno de los mejores artistas del mundo. Pintor del Rey Felipe IV con una vida acomodada en la Corte sin depender de una clientela. El conocimiento de las grandes obras guardadas en las colecciones reales y de algunos de los principales pintores de su época, como al propio Rubens a quien conoció durante su visita a España o a Ribera durante su primer viaje a Italia; hicieron de Velázquez un genio en continua evolución.
Desde su regreso de Italia en 1651, sus cargos cortesanos le robaron cada vez más tiempo para pintar, a pesar de lo cual en los últimos años de su vida realizó algunos de sus cuadros más asombrosos, entre los que se incluyen dos obras maestras absolutas, las más grandes de la historia de la pintura: Las Hilanderas y Las Meninas. Ambas son conservadas en el Museo del Prado. Son pinturas llenas de vida, en la que logra crear espacios creíbles y habitables, dotados de sutiles atmósferas, de colores refinados con una técnica excepcional. Pero son también cuadros complejos, con múltiples niveles de lectura, y que cabría entender más como proyecciones intelectuales, o imágenes de una idea, que como imitaciones del natural.
Qué son Las Hilanderas?
Las Hilanderas es una pintura sobre la pintura y sobre la tradición pictórica. Interpretada durante mucho tiempo como una simple escena cotidiana consistente en la visita de unas damas de la corte a un taller de tapicería. En realidad este cuadro encierra una fábula mitológica: la disputa entre Atenea y Aracne.
Para entender bien esta obra empezaré por relatarles dicha fábula ....
La fábula de Aracne
El Rapto de Europa
Rubens
El nombre de Aracne significa simplemente ‘araña’. Era la hija de Idmón, un famoso tintorero. La joven era muy famosa por tener una gran habilidad para el tejido y el bordado. Cuenta la leyenda que hasta las ninfas del campo acudían para admirar sus hermosos trabajos en tales artes. Tanto llegó a crecer su prestigio y popularidad que se creía que era discípula de Palas Atenea ( diosa de la sabiduría y de las hiladoras).
Aracne era muy habilidosa y hermosa, pero tenía un gran defecto, era demasiada orgullosa. Ella quería que su arte fuera grande por su propio mérito y no quería deberle sus habilidades y triunfos a nadie. Por eso, en un momento de inconsciencia, retó a la diosa, quien por supuesto aceptó el reto. Primero, se le apareció a la joven en forma de anciana y le advirtió que se comportara mejor con la diosa y le aconsejó modestia.
Aracne, orgullosa e insolente desoyó los consejos de la anciana y le respondió con insultos. Atenea montó en cólera, se descubrió ante la atrevida jovencita y la competencia inició. La diosa ofendida no iba a soportar que ningún mortal desprecie su divinidad. En el tapiz de la diosa, mágicamente bordado se veían los doce dioses principales del Olimpo en toda su grandeza y majestad. Además, para advertir a la muchacha, mostró cuatro episodios ejemplificando las terribles derrotas que sufrían los humanos que desafiaban a los dioses.
Por su parte, Aracne representó los amoríos deshonrosos de los dioses, como el de Zeus y Europa, Zeus y Dánae, entre muchos mas. La obra era perfecta, pero la diosa encolerizada por el insulto hecho a los dioses, tomó su lanza, rompió el maravilloso tapiz y le dió un golpe a la joven. Atenea la sostuvo con su brazo y le dijo: vivirás malvada mujer pero siempre colgando de tus propios hilos. No permitió que muriera sino que la convirtió en una araña, para que continuara tejiendo por la eternidad.
Esta sin comprender, se siente totalmente humillada y deshonrada, por lo que enloquece y termina por ahorcarse.
Otra versión nos cuenta que Aracne tenía un hermano llamado Falange. Mientras ella aprendía con Atenea las artes del tejido, Falange aprendía el arte de la guerra. Todo iba bien, hasta que la diosa descubrió que entre los hermanos existía una relación irrespetuosa e incestuosa, por lo que los castigó convirtiéndolos en animales.
El rapto de Europa como mencioné anteriormente dentro de la fábula, Zeus y Europa fue uno de los amoríos entre dioses y humanos. Aquí se cuenta que Europa era una princesa fenicia a la que Zeus raptó en forma de toro y se la llevó desde las orillas de lo que hoy es el Líbano hasta la isla de Creta.
Para representar el tapiz hecho por Aracne -dedicado al rapto de Europa por parte de Zeus - Velázquez utilizó un cuadro del mismo tema pintado por Rubens, que a su vez había copiado un lienzo de Tiziano. De ese modo rendía homenaje a esos dos artistas.
Volvamos a nuestra historia principal, LAS HILANDERAS.
Qué observamos en este cuadro?
Esta pintura fue creada para Don Pedro de Arce, Montero del Rey en 1655 aunque en el siglo XVIII ya figura en las colecciones reales. En primer plano vemos cinco mujeres que preparan las lanas para la fabricación de tapices.
Primer plano:
En la zona de la izquierda encontramos una de las mujeres manejando la rueca y a su lado otra mujer que se pone en pie, estableciéndose entre ambas una relación a través de sus miradas.
El centro está ocupado por una joven agachada que recoge las lanas del suelo, con un gato a sus pies.
En la derecha se sitúan otras dos mujeres, una de espaldas devanando la lana, y su ayudante, a la que solo vemos la cabeza.
Segundo plano:
Al fondo, aparecen cinco mujeres ricamente vestidas, sobre un fondo de tapices. Tres de ellas, supuestamente las visitantes al taller, bien podrían representar las ninfas o mujeres que, según Ovidio*, asistieron al enfrentamiento y posterior castigo de Aracne.
Una de las tres damas de sociedad mira hacia la escena ""principal"" de la obra, con gesto de complicidad, estableciendo una relación con el tapiz.
Esta última escena sería la que da título al cuadro, ya que recoge la fábula de Aracne.
Observamos un instrumento musical y tras él, en la izquierda a Atenea con su casco, lanza y vestimentas clásicas desvelando su auténtica naturaleza divina.
Aracne, ricamente vestida, se ubica en el centro de la composición.
Cómo relacionamos los personajes de la fábula con las mujeres que están en el primer plano del cuadro?
Velázquez ha dado forma humana a los personajes mitológicos:
Aracne sería la mujer que se encuentra en el frente a la derecha. Una mujer joven, con el cabello recogido en un moño. No vemos su rostro al estar situada de espaldas, pero su blanca camisa intensamente iluminada atrae la mirada del espectador. Sostiene un ovillo y trabaja con la devanadera.
Atenea es la mujer trabajando con la rueca y el huso, una mujer de edad avanzada, con el cabello cubierto por una toca. Está de frente y vemos su rostro, pero queda en una ligera penumbra. Su disfraz de anciana se ve traicionado por la pierna con aspecto joven.
La mujer que se encuentra agachada y sentada en el plano intermedio fue una manera en que Velázquez consigue que nuestra atención se dirija al fondo de la composición.
Qué significa los otros objetos del cuadro?
La escalera es, tradicionalmente, un símbolo de la Sabiduría, que se consigue paso a paso, peldaño a peldaño. El violoncelo puede aludir a Atenea como diosa de la música o bien hacer referencia al castigo que Atenea iba a ejercer sobre Aracne ya que antiguamente se pensaba que la música era la cura para la picadura de las arañas. La lana alude al trabajo paciente y continuo que se necesita para transformar esa masa informe de lana en fibras aptas para el trabajo textil. Lo mismo ocurre con la educación y formación de las personas, que debe ser constante y progresiva.
La presencia de una voluminosa cortina, situada a la izquierda de la escena principal. Este elemento es típico del barroco y busca dar importancia a la escena que se está desarrollando, como si se tratase de una representación teatral.
Qué cambios se le hicieron al cuadro?
En fecha indeterminada -el siglo XVIII- el lienzo original de Velázquez fue lastimado por un incendio y por esa razón fue ampliado y completamente restaurado. Fueron 50 centímetros por la parte superior y 37 por los laterales, lo que distorsiona la composición original y resta protagonismo a la pequeña estancia fuertemente iluminada del fondo, que ahora se percibe más alejada. Actualmente el cuadro se expone de tal manera que esos añadidos no son visibles.
Porqué es tan importante esta obra?
Durante mucho tiempo se pensó que esta obra era sólo un cuadro de género, una representación de la labor de unas hilanderas en la Real Fábrica de Tapices de Santa Isabel de Madrid. Esto se debió a que Velázquez dispuso delante lo secundario y detrás, y a menor escala, lo principal. En 1948 se descubrió que el tapiz del fondo era la representación de un cuadro de Tiziano sobre El rapto de Europa. La misma escena que Aracne había realizado en su tejido. Así es como Velázquez equipara la obra del italiano a la de la propia diosa.
Velázquez que conocía las dos versiones, va más allá al integrar la suya en una composición de gran complejidad, en la que se vinculan tres pilares de la Colección Real y del propio Prado: Tiziano, Rubens y el propio Velázquez.
Qué tiene de especial este cuadro?
La manera en que Velázquez describió este tema de Las Hilanderas está lleno de alegorías y esto era algo muy normal para la época. Me refiero a pintar temas que muestren algo más que lo que vemos claramente con nuestros ojos. Lo especial es que el artista pintó esta escena como algo cotidiano, algo real que es muy raro en la época del siglo XVII. Es un tipo de realismo social ya que trata de un tema de obreras de un taller.
Además pintó el cuadro de una manera muy libre con pinceladas sueltas utilizando manchas como en el caso del gato o el rostro inacabado de la mujer del centro. Es como si el artista se estuviera anticipando al estilo Impresionista que surgió después. Con la única diferencia al Impresionismo que conocemos ahora es que en este cuadro existe a lo máximo una tricomía. Una paleta de colores muy reducidas: rojizos, variedad de pardos y ocres, azules y grises. Velázquez se sigue anticipando al futuro dando una sensación de movimiento por ejemplo a la rueca de la escena.
Si observas sus radios no se pueden ver y en la figura de la mujer que devana la lana con tanta rapidez que parece que tiene seis dedos. Llama mucho la atención la forma como difumina de una manera progresiva las imágenes a medida que se alejan del plano frontal. El cuadro es bastante oscuro y la mayoría de las figuras quedan en la penumbra. Solo existen dos focos de luz que iluminan los dos puntos más importantes: la hilandera en el lado derecho y el tapiz del fondo.
Si observas bien, las mujeres que están en el tapiz casi que se podrían confundir como damas de la sociedad que acuden a comprar tapices en la fábrica.
Se dice que....
Una traducción al español de Ovidio* sugirió que la historia podría ser una metáfora del destino que le puede suceder a un artista que es injustamente criticado. ¿Podría ser que haya sido motivo de Velázquez para pintar el tema?
*Ovidio : Poeta Romano que vivió durante el reinado de Augusto. Creador de Las metamorfosis, extenso poema que recoge diversas historias y leyendas mitológicas sobre el tema de las metamorfosis o transformaciones. El relato de Ovidio de la metamorfosis de Aracne dió paso a la inspiración de Velázquez para realizar esta obra.
